6 шедевров, которые поставили крест на классическом искусстве ( 6 фото )

XX век подарил миру множество новых, порой шокирующих способов творческого самовыражения. Модернизм, фовизм, кубизм и дадаизм — эти течения буквально взорвали арт-сообщество. Некоторые произведения, созданные в то время, вызывали жаркие споры не только у случайных зрителей, но и у матерых искусствоведов. Дискуссии о том, где проходит грань между высоким искусством и эпатажем, не утихают до сих пор. В центре внимания оказываются работы, которые, несмотря на всю свою неоднозначность, обрели мировую известность.

Граница между искусством и эпатажем

Настоящий творец всегда вкладывает в свои работы частицу себя — будь то роман, кинолента или живописное полотно. Художники, осознанно или нет, впитывают изменения окружающего мира и транслируют эти ощущения через творчество. Эти изменения могут касаться политики, экономики, социальной жизни или технологий.

XX век с его мировыми войнами, индустриальной революцией и социальными потрясениями привел к кардинальным переменам в искусстве. Появились абстрактный экспрессионизм, кубизм, фовизм, дадаизм, сюрреализм, поп-арт и многие другие направления. Творцы получили невиданную ранее свободу для самовыражения.

Некоторые работы оказались настолько провокационными, что вопрос «Это вообще искусство?» возникал даже у профессионалов. Однозначного ответа на него нет, так как эпатаж — это тоже часть творческого процесса, отражение души автора. Грань между этими понятиями размыта и зависит от замысла, контекста и восприятия зрителя.

Марсель Дюшамп, «Фонтан», 1917

Инсталляция Фонтан

Самым скандальным произведением, породившим бесконечные споры, считается работа француза Марселя Дюшампа «Фонтан», совершившая настоящий переворот в творческой среде начала XX века.

История проста: художник купил обычный писсуар, нацарапал на нем псевдоним «R. Mutt» и выставил в галерее под громким названием «Фонтан». Реакция публики была неоднозначной: одни возмущались, считая это безобразием, другие — восторгались смелостью уже известного автора.

Сам Дюшамп называл свою работу преднамеренной провокацией, бросившей вызов устоявшимся представлениям об искусстве. Он утверждал, что красота — в глазах смотрящего, и предостерегал от поиска эстетики там, где ее быть не может. Его знаменитая фраза: «Я швырнул им в лицо писсуар, а они теперь восхищаются его красотой».

Роберт Раушенберг, «Стертый де Кунинг», 1953

Роберт Раушенберг и его Стертый де Кунинг

Американский поп-арт-художник Роберт Раушенберг задался вопросом: можно ли создать искусство, уничтожив его? Ответом стала одна из его самых эпатажных работ — «Стертый рисунок де Кунинга».

Изначально идея возникла в начале 1950-х и вылилась в серию «Белые картины» — полностью пустые холсты. Однако стирание собственных набросков показалось автору недостаточно радикальным. Тогда он решил стереть рисунок самого Виллема де Кунинга, одного из лидеров абстрактного экспрессионизма.

Раушенберг попросил у мастера один из его рисунков. Де Кунинг сначала отнесся к идее скептически, но затем согласился, заметив, что для чистоты эксперимента нужно отдать лучшую работу, по которой он будет скучать. На стирание ластиком ушло около месяца. Затем стертый лист оформили в рамку с надписью «Стертый рисунок де Кунинга» и выставили в галерее. Сейчас работа хранится в Музее современного искусства Сан-Франциско, продолжая вызывать бурные дискуссии.

Энди Уорхол, «Банки супа Кэмпбелл», 1962

Банки супа Энди Уорхола

Энди Уорхол обладал удивительным талантом видеть прекрасное в обыденных вещах. Его серия «Банки супа Кэмпбелл» — ярчайшее тому подтверждение. Кто бы мог подумать, что консервная банка станет произведением искусства?

Сам Уорхол ел этот суп каждый день на протяжении 20 лет. Его коллекция картин с изображением банок стала не просто арт-объектом, а гениальной рекламной кампанией, произведшей революцию. Обычный промышленный суп превратился в символ поп-арта.

Ричард Серра, «Наклонная арка», 1981

Наклонная арка Ричарда Серра

Одной из самых скандальных скульптур XX века стала работа американца Ричарда Серра «Наклонная арка». 15-тонная стальная конструкция длиной 120 футов и высотой 12 футов была установлена в 1982 году на площади Фоли Федерал Плаза в Нью-Йорке, разделив пространство надвое.

Серра потратил два года на разработку концепции, изучая пешеходные маршруты. Он хотел заставить людей «переосмыслить» привычное пространство и установить с ним связь. Цель была достигнута: реакция прохожих варьировалась от восторга до ярости. Те, кто вынужден был ходить этим маршрутом ежедневно, называли арку удручающей. The New York Times окрестила ее одним из самых уродливых творений города. В итоге, спустя 8 лет, скульптуру разрезали на три части и убрали. Сейчас она хранится в Мэриленде.

Крис Офили, «Пресвятая Дева Мария», 1996

Дева Мария Криса Офили

В 1999 году коллекционер Чарльз Саатчи организовал в Бруклинском музее выставку молодых британских художников. Среди экспонатов была картина Криса Офили «Пресвятая Дева Мария», написанная тремя годами ранее и до этого малоизвестная.

На полотне была изображена темнокожая Дева Мария в окружении бабочек. При ближайшем рассмотрении оказывалось, что это изображения женских гениталий. Кроме того, картина была написана с использованием слоновьего навоза, который Офили применял вместо красок.

Будучи глубоко религиозным и образованным человеком, Офили хотел привнести элементы первобытного в известные библейские мотивы. Слоновий навоз с древних времен имел множество символических значений, которые в контексте истории Девы Марии раскрывались по-новому. Однако послание поняли не все. Картина шокировала посетителей, включая мэра Нью-Йорка Руди Джулиани. Он назвал работу «болезненной и отвратительной» и попытался лишить музей финансирования. Но музей отстоял свои права в суде.

Что сильнее двигает искусство вперед: искреннее желание выразить себя или осознанное желание эпатировать публику?