sanderkelevra
Лучшая японская анимация для новичков ( 11 фото )
Культура аниме понемногу перестает быть развлечением исключительно для фанатов Японии. Увы, в России этот процесс проходит слишком медленно. Пускай к нам иногда и завозят полнометражные шедевры Хаяо Миядзаки и каких-нибудь «Девушек и танки», а телеканалы вроде «2×2» показывают третий сезон «Токийского гуля» одновременно с премьерой, но все-таки многие продолжают относиться к аниме настороженно. Часть зрителей не знает, с чего начать смотреть эти бесконечные шоу, чтобы не просто получить одноразовое удовольствие, но еще и понять особенности жанра. Наша подборка аниме-сериалов призвана исправить положение и помочь вам сполна ощутить все прелести японской анимации.
Но для начала нужно прояснить несколько моментов. Конечно, мы далеко не первые и явно не последние взявшиеся за составление подобного гайда. Проблема в том, что почти все уже существующие руководства не справляются со своей задачей втянуть человека в мир аниме. Авторы обычно включают в них сериалы и полнометражки, которые восхитительны и прекрасны сами по себе, но совершенно никак не побуждают дальше исследовать жанр. Получается, что первоначальная цель материала уничтожается, он превращается в обычную подборку годноты, но не более.
Потому мы поставили себе несколько правил. Во-первых, никаких работ Хаяо Миядзаки, Макото Синкая — и даже Сатоси Кона и Мамору Хосоды. Они и так встречаются повсеместно и у всех на слуху. Пускай каждый пункт фильмографии этих великих мастеров заслуживает пристального внимания и вполне сгодился бы для отдельного обзорного материала, но вы вряд ли сможете после них самостоятельно искать что-то другое. Уж больно эти авторы самобытные и уникальные. Как в свое время писал известный российский фантаст, «творчеством Миядзаки знакомство с аниме лучше всего начать — а также закончить».
Отсюда вытекает второе правило. Мы не утверждаем, что все нижеперечисленные аниме заслуживают звания лучших из лучших, безоговорочной любви и высочайшего уровня почета. Местами они заштампованы или проигрывают в чем-то коллегами по жанрам, но ведь и заголовок этой статьи не звучит как «самые лучшие аниме-сериалы». Это именно те работы, которые могут заинтересовать тематикой, подходом к сценарию и другими нюансами, после чего вам захочется поискать что-то похожее. Потому в конце каждого пункта мы приведем еще примеры, которые могут понравиться на основе упомянутого.
В-третьих, мы постарались брать преимущественно аниме, вышедшие после 2000-го. Причина очевидна: технологическая сторона восточной анимации не стояла на месте, потому если полнометражные и OVА-работы прошлого века еще смотрятся в целом неплохо и сегодня, то вот картинка эпизодического формата того времени сильно устарела и не идет ни в какое сравнение с современными проектами. Более того, хватало тогда и шаблонных сюжетных ходов, от которых аниме последних годов стараются избавиться. Оставим шедевры Лэйдзи Мацумото и Мамору Осии для отдельной статьи.
В-четвертых, материал намеренно обойдется без полнометражных фильмов и даже OVA — тут лишь исключительно классические ТВ-сериалы. Подобный формат составляет основу жанра, потому позволяет ближе познакомиться со структурой повествования и стилистическими особенностями. Конечно же, некоторые франшизы настолько популярны, что вышли за пределы ТВ-формата, потому мы отдельно упомянем, если у произведения есть что-то стоящее помимо сериала.
И не забывайте, что сколько людей, столько и мнений, все хорошее невозможно уместить в один текст, а у каждого свои субъективные представления о лучших аниме для начинающих, которые он считает правильными. Потому не стесняйтесь, смело высказывайте свое мнение и приводите достойные примеры в комментариях!
Samurai Champloo («Самурай Чамплу», 2004-2005)
Синъитиро Ватанабэ — единственный аниме-режиссер, создающий действительно качественные сериальные проекты, в основе которых не лежит манга или какой-то иной первоисточник. Оба его признанных шедевра — Cowboy Bebop и Samurai Champloo — отличает беспрецедентная для аниме работа со сценарной основой.
Это не безответственный авторский выплеск эмоций в духе Evangelion и не второсортный экшен с третьесортными диалогами от штатного сценариста в стиле Gurren Lagann. Это настолько же самобытные и креативные, насколько и взвешенные, профессиональные сценарии с грамотно выстроенными арками героев, сквозной сюжетной линией и настолько ювелирно подобранным филлером, что эпизоды «на передышку» затмевают большую часть основной «сюжетки»…, но при этом финал и того, и другого сериала Ватанабэ все равно напрочь выносит по качеству все, что вы до этого читали в манге или смотрели в аниме.
По сравнению с «Бибопом» Samurai Champloo подводят сеттинг и общая сюжетная канва — они тут до того неоригинальные, что сериал не пользуется особой популярностью даже среди самых яростных любителей японской культуры в редакции «Канобу». Что может быть банальнее, чем аниме про самураев феодальной Японии? К тому же, герои словно бы сошли со страниц романтической манги или light novel для девочек — красавцы-мечники Мугэн и Дзин, горячий хулиган и холодный интеллектуал, сопровождающие 15-летнюю героиню (классическую идеализированную Мэри Сью с кавайной белочкой!) в ее поисках давно исчезнувшего отца — «самурая с запахом подсолнухов».
Но, как подсказывает название, переводящееся как «самурайское тямпуру» или, по-нашему, «винегрет», Ватанабэ намеренно взял столь бесперспективные сеттинг и героев, чтобы ярче блеснуть сталью таланта, перемешать все со всем, опрокинуть представления о временных рамках и законах жанра — да и вообще об аниме и сериальной продукции. Япония времен правления Токугавы в его интерпретации оказывается сборником вообще всех национальных культурных тенденций, от традиционных боевых искусств, настольных игр и кодекса бусидо до рэпа, ирокезов и спортивных костюмов.
Знаменитый 5 эпизод, посвященный становлению стилизованной японской гравюры укие-э (и, как следствие, манги с аниме) вплетает в происходящее Ван Гога с Гогеном и углубляется в криптоисторию мировой живописи, не забывая при этом играть с точкой зрения на происходящее и личностью рассказчика. Бейсбол, брейкдэнс, граффити — все это ловко вживлено в стандартные самурайские сюжеты о поединках, подвигах и покушениях, становясь сквозным комментарием о восприимчивости японской культуры к посторонним влияниям на фоне исторической политики жесточайшего изоляционизма.
И даже сама незамысловатая young adult-история о юной девушке и двух потенциальных любовных интересах, непонятно почему помогающих Мэри Сью в ее очень длинном и скучном квесте, в Samurai Champloo преображена в удивительно пронзительную экзистенциальную притчу о тщетности любого поиска. Ведь подсолнухи, как известно, ничем не пахнут.
Креативность Ватанабэ и его режиссерско-сценарной группы не ограничивается работой с сюжетом и сеттингом. Бои Мугэна и Дзина на мечах с различными противниками (и друг с другом) поставлены не просто с блеском — на их фоне меркнут лучшие батальные сцены таких гениев аниме-экшена, как Есиаки Кавадзири и Мамору Осии.
Это не просто верткий, летучий экшен в плане хореографии. Во времена «Ковбоя Бибопа» Ватанабэ прославился тем, что использовал операторские и режиссерские приемы из кино, намеренно создавая себя картинку с физическими ограничениями декораций, камеры и актеров. Во время боя что-то остается за кадром — не успел оператор! — а сама картинка может оказаться искаженной, растянутой — как бы из-за съемки всей хаотичной сцены на статичный широкоугольный объектив. В «Самурайском винегрете» Ватанабэ шагнул еще дальше — совместил свои традиционные кино-приемы с пониманием того, что в аниме можно рисовать вообще что и как угодно, разорвал все шаблоны хореографии и вывел видеоряд боевых сцен в психоделику и сюрреализм.
Знаменитейший эпизод, где бой на мечах происходит в горящем поле конопли, анимировал сам гениальный Юаса Масааки, режиссер потрясающего Devilman Crybaby, все боевые сцены которого выросли из сюрреалистической стилистики Samurai Champloo.
Рядом с Samurai Champloo в мировой культуре можно поставить разве что «Затойчи» Такеши Китано — сюжет, режиссура, саундтрек, хореография тут не укладываются в жанр и даже в форму искусства, это рисованный, насквозь японский сериал, который язык не поворачивается назвать аниме (возможно, этим и объясняется его сравнительная малопопулярность).
С одной стороны, перед нами деконструкция всего на свете. С другой — на месте снесенных самурайских штампов тут возведен невероятно красивый, стильный и оригинальный новый канон, которому в современной культуре уже невозможно не следовать.
Ранее опубликовано в материале «Топ 100 сериалов „Канобу“. Часть 9 (20-11)».
Cowboy Bebop («Ковбой Бибоп», 1998-1999)
Если «Чамплу» — это дерзкий и бунтарский хип-хоп эпохи Эдо, то «Ковбой Бибоп», скорее, блюз Дикого Запада. Сравнение очевидно, ведь именно в этих жанрах выполнены саундтреки аниме-сериалов. Но аналогия уходит гораздо глубже в суть музыки. Ведь не зря «blue» — это не только «голубой» на английском, но еще и «подавленный», а блюзовые композиции пропитаны тоской и горечью жизни человека. Прямо как и приключения команды охотников за головами на космическом корабле «Бибоп».
В будущем человечество разъехалось по Солнечной системе, освоив Венеру, Марс, спутники Юпитера и Сатурна. На Земле почти никого не осталось из-за постоянных метеоритных дождей. В системе сильно повысился уровень преступности, из-за чего правительство начинает охоту за головами в стиле Дикого Запада. Любой человек может увидеть в телепередаче Big Shot опасных преступников и награду за них, а затем попытаться поймать злоумышленников. Именно этим и занимаются главные герои Спайк Шпигель и Джет Блэк.
Со временем к их дуэту присоединится une femme fatale Фэй Валентайн, юный гениальный хакер Эдвард и самый умный корги в мире по имени Айн. Объединены они одним — бегством от своего тяжелого прошлого, с которым герои не могут смириться, потому стараются не обращать на него внимания. Тоска по ушедшим дням в той или иной форме проявляется в каждой серии, даром что разнообразие сюжетов и ситуаций в аниме достигло максимального уровня.
Есть здесь и классические детективные расследования, и моменты с ограблениями, и мрачный техно-триллер, даже для пародии на «Чужого» и серии, посвященной безделью (которую, кстати, попытались воссоздать авторы Ergo Proxy в эпизоде Busy Doing Nothing), нашлось место. Будь «Ковбой Бибоп» антологией подобных небольших новелл, то все равно бы запомнился и вошел в историю как одно из самых лучших художественных произведений. Режиссер Ватанабэ Синъитиро даже мельчайшие эпизоды и второстепенные сюжетные линии прорабатывает с таким качеством, до которого целые многосерийные аниме и близко не дотягивают.
А когда на первый план выходит основная история, раскрывающая прошлое главных героев, ты окончательно влюбляешься в «Ковбоя Бибопа». Через калейдоскоп нео-нуара, космического вестерна и щепотки киберпанка нам рассказывают о понятиях, в какой-то степени близких каждому человеку. Неудачные отношения, неловкие разговоры с бывшей «второй половинкой», затаившиеся обиды, только и ждущие момента, чтобы высвободиться потоком ярости — сквозь наполненные экшеном приключения и невероятные события аниме-сериал раскрывает всю палитру человеческих эмоций, которая зачастую выдержана в блеклых, почти выцветших красках.
Важную, если вообще не главную роль в создании нужных настроений играет музыка, которую нам подарила композитор Еко Канно и специально созданная для аниме группа The Seatbelts. Исходя из названия сериала, можно было бы ожидать сплошные джазовые ритмы, ведь бибоп — это как раз подвид джаза. Однако музыкальное сопровождение выходит за рамки всех предположений, в нем смешивает мотивы вестернов, этнические песнопения, уже упоминаемый блюз, даже без реверансов в сторону классики рока не обошлось. Каждый вокальный трек — это праздник сам по себе, эпизод в эпизоде, не какой-то там фон для событий на экране, а полноценный участник постановки, порой затмевающий всех остальных актеров.
По результатам голосования IGN саундтрек «Ковбоя Бибопа» был признан лучшим за всю историю существования аниме. Громкое заявление, на в этом случае — совершенно заслуженное. История экипажа «Бибопа» станет наслаждением для всех меломанов. Впрочем, далеко не для них одних. Все любители научной фантастики, вестернов, нуара, космических приключений, драм о тяжести человеческих судеб и просто первоклассных историй найдут тут нечто для себя. Один лишь совет — не расслабляйтесь, если вдруг подумали, что раскусили все тропы аниме. У Ватанабэ Синъитиро всегда есть как минимум парочка запрятанных козырей, только ждущие часа, чтобы вас удивить.
Mahou Shoujo Madoka Magica («Девочка-волшебница Мадока Магика», 2011)
В Японии особое отношение ко всему милому. Не зря же почти во всех сферах культуры там встречаются зверушки-маскоты, которые западному человеку могут показаться несуразными и глупыми. Под определение «милого» зачастую попадают и маленькие девочки-школьницы. Потому то, что для Запада разврат и нарушение всех правил, для Японии — искусство и «обычная рисованная анимация», в которой порой допускаются очень любопытные вещи. Чтобы преодолеть культурный шок, надо сгладить первое впечатление чем-то еще более неординарным. В этом может помочь аниме-сериал «Девочка-волшебница Мадока», прививающий любовь к девочкам-волшебницам и «милоте» пересказыванием «Фауста» Гете, фильма «Донни Дарко» и прочими совсем недетскими вещами.
Для работы над сериалом в студии Shaft объединились два японских таланта первой величины. Первый — режиссер Акиюки Симбо, известный своей авангардной анимацией на грани с эротикой по Bakemonogatari и Sayonara Zetsubou Sensei. Второй — сценарист Уробути Гэн, которой может и создать неплохой sci-fi мир (Psycho-Pass), и написать превосходящий оригинал спин-офф по известной вселенной (Fate/Zero), и даже шокировать чем-то до ужаса мерзким, но все еще привлекательным (Saya no Uta). Подобный дуэт физически не мог подарить нечто обыденное, пускай завязка и пытается обманом доказать обратное.
14-летняя девочка Мадока Канамэ, наполненная наивностью и верой в лучшее завтра, была самой обычной школьницей без каких-либо талантов. Но судьба столкнула ее с загадочным существом Кьюбэем, которое предлагает ей стать волшебницей и уничтожать ужасных ведьм в обмен на исполнение любого желания. Однако постепенно вскрываются не самые приятные детали подобного контракта, а Мадоку, которая пока даже не согласилась на борьбу с ведьмами, начинает преследовать загадочная и мрачная волшебница Хомура, явно знающая больше о мире вокруг.
Первые три серии кажутся стандартным махо-седзе, то есть историей о девочках-волшебниц, переодевающихся во время красочных заставок и сражающихся с великим и бесформенным злом. Но даже тут «Мадока» выделяется потрясающим визуальным стилем, который жертвует прорисовкой персонажей, ставя все на стилизацию. Многие моменты выглядят, словно рисунки живописцев или средневековые гравюры. А мрачные намеки и тени на задних планах лишь усиливают ощущение, что вскоре все покатится к чертям.
Так и происходит, причем к кардинальной смене настроения в аниме ты оказываешь не подготовлен, даже учитывая все сценарные подсказки. Тогда «Мадока» и раскрывается во всей красе, ведь это вовсе не та история, в которой «милые девочки делают милые вещи». Аниме-сериал рассказывает о бесконечном страдании Вселенной (как ни странно звучит, но это в прямом смысле) и ее попытках выжить, с начала времен жертвуя маленькими девочками, примерно поровну заполненными надеждами и сомнениями. Даже цветовая палитра со временем кажется все более кислотной и блеклой, играя на контрасте с яркими и теплыми цветами первых серий.
Авторы успели затронуть и тему медленно, но верно умирающего из-за энтропии мира, и безуспешные попытки изменить реальность вокруг, и даже переиначить трагедию Фауста и Маргариты, ставших жертвами коварной игры Мефистофеля. Аниме пестрит символами и метафорами, которые можно обсуждать часами, при этом основной сюжет остается максимально доступным. «Девочка-волшебница Мадока» — это аниме о людях в безвыходной ситуации, из которой физически нельзя найти выход, чтобы все были счастливы.
Смешанные впечатления может вызвать последняя серия, которая, если верить фанатской теории, была в первоначальном варианте гораздо мрачнее, однако из-за мощнейшего землетрясения в Японии ее переделали в более оптимистичную. Но полнометражный аниме-фильм Puella Magi Madoka Magica the Movie — Rebellion ставит все на свои места, изысканно подводя итог всем идеям, заложенными авторами. Твоя любовь может никогда не ответить взаимностью, весь мир проигнорирует твои действия, а сам ты сломаешься и перестанешь быть собой, только всем будет наплевать — не самые светлые, но, увы, временами до боли реалистичные мысли.
«Мадоку» можно легко принять за нечто бессмысленное из-за постоянных сценарных абстракций и визуальной экспрессии вместо классического построения повествования. Но в этом же и кроется основная прелесть аниме-сериала. Все в нем, от сюрреалистических сценок до оркестровой и пробирающей с первых нот музыки Юки Кадзиуры, работает на создание атмосферы жуткой сказки, близкой к начальным вариантам произведений братьев Гримм или Ханса Христиана Андерсена. А местная визуальная часть запросто может стать для вас синонимом вершин анимации.
После окончания аниме невольно замечаешь, что тебя перестает дергать от мельтешащих тут и там в японских произведениях школьниц, которые своими высокими голосами у некоторых вызывают отвращение. Просмотр Mahou Shoujo Madoka Magica — это особый вид шоковой терапии, который запросто открывает дорогу ко всем остальным творениям студии Shaft и к целому жанру махо-седзе. И достигается подобный эффект всего за двенадцать серий или же три полнометражки.
Tengen Toppa Gurren Lagann («Гуррен-Лаганн», 2007)
Есть у японцев еще парочка страстей — к человекоподобным роботам, к гигантомании и, что следует из предыдущего, к пафосу. Даже не так — ОГРОМНОМУ ПАФОСУ, который без капса даже как-то неловко писать. Если любовные отношения — то обязательно с постоянными скандалами и тайнами прошлого, если дуэли — то с высокопарными речами и приемами, которые даже просто рассмотреть тяжело, а если роботы — ты огромные и внушающие трепет. В принципе, «Гуррен-Лаганн» можно смотреть исключительно ради них, ведь где еще во время сражений кидаются галактиками? Но на деле у аниме оказывается второе и даже третье дно, отчего интерес во время просмотра лишь усиливается.
Говоря о «Гуррен-Лаганне», можно было бы спокойно написать текст, состоящий целиком из цитат одного из главных героев — Камины. Получилось бы нечто, наполненное подобным:
МАГМА ТЕЧЕТ В НАШИХ ВЕНАХ, РАСКАЛЯЯ СЕРДЦА!
В какой-то мере, это было бы исчерпывающее описание одного из лучших аниме-сериалов студии Gainax. Потому что «Гуррен-Лаганн» — это лавины и звездопады пафоса, безразмерные катаны и бесконечное «ты за кого меня держишь?!». Максимально броское, абсолютно безбашенное, лишенное каких бы там ни было тормозов и ограничений японское безумие, помноженное на само себя.
Но Gainax не была бы собой, ограничься она лишь одним пластом истории. «Гуррен-Лаганн» условно можно разделить на 4 промежутка, каждый из которых вполне заслуживает отдельного сезона. В них свои настроения, акценты и идеи, скрепленные общим сюжетом и персонажами.
Причем с сюжетом авторы не побоялись экспериментировать. Настроились на серьезный лад и драму? Получайте серию, в котором мужская половина действующих лиц жаждет лицезреть голых девушек! Поверили во всемогущество героев? Упс, они погибли, с кем не бывает. Готовитесь к очередной дозе пафоса? Самое время включить политический триллер, смешанный с фильмом-катастрофой.
Аниме-сериал не перестают удивлять ни на секунду, не забывая в каждой серии повышать ставки в геометрической прогрессии. Сюжет начинается с желания Камины и его друга Симона покинуть свой подземный город и увидеть мир, а заканчивается сражением, в котором скопления звездных систем используются как оружие, а новые Большие Взрывы гремят тут и там. Потому что:
«Времени, пространства ли, что угодно — для нас все это не имеет значения. Это наш путь, и мы идем по нему так, как можем и хотим. Потому что мы — Мега-Гуррен-Дан!»
Но «Гуррен-Лаганн» еще умен и глубок в достаточной степени. Он не кажется слишком заумным, но в нем есть, что поразбирать. Отдельные серии и сюжетные линии рассказывают об обманчивости религий, коварности властей и обществе, которое готово сделать из тебя козла отпущения и уничтожить в мгновение ока. Местные персонажи развиваются, сталкиваются с жестокой реальностью, сомневаются и почти ломаются. Но всегда находят силы вновь идти вперед.
Потому если вдуматься, что понимаешь, что «Гуррен- Лаганн» не только об Очень Больших Роботах (хотя они важны, чего уж спорить). Он о том, как принять любые потери и поражения на пути к своей мечте. Как казаться глупым и наивным, лишь бы не впасть в отчаяние. Как не взирать на презрение и предательство близких людей, встречать врагов с улыбкой и дерзить в лицо злому року. Чтобы в итоге жить Happily Ever After, прямо по названию одной из песен в аниме.
Кстати, о музыке. Композитор Ивасаки Таку записал мелодии, полностью соответствующие духу аниме. То есть максимально громкие и пафосные, от которых самому хочется сломить всех вокруг. Правда, запомните вы, скорее всего, не их, а знаковое «Row! Row! Fight the power!». Рисунок тут тоже на высоте. В моменты особого накала страстей художники и аниматоры словно сходят с ума, изображая безумные и яркие формы. Если понятие«визуальный оргазм» вообще можно употреблять, то к «Гуррен-Лаганну» оно применимо стопроцентно
А еще это редкий случай, когда русский дубляж оказался лучше оригинала! Спасибо за это стоит сказать студии Reanimedia, которая с душой отнеслась к своей работе. А максимальных почестей заслуживает Александр Фильченко, озвучивший Камину. Уж его фразы и эмоциональность вы явно запомните навсегда. Да и к русским субтитрам опенинга подошли ответственно, потому теперь у нас есть:
Если мы живы не зря,
Безрассудно страстью горя,
Мир вспоря, наша заря
Родит света ростки.
С «Гуррен-Лаганна» запросто можно начинать смотреть аниме, настолько в нем все прекрасно. Не посмотреть историю Камины и Симона — настоящий грех для всех любителей анимации в целом. Мало что может так же зарядить энергией и верой в лучшее завтра, как 27 серий «Гуррен-Лаганна». И кто знает, быть может, после просмотра и вы обнаружите в себе бур, способный пронзить небеса.
Code Geass: Lelouch of the Rebellion («Код Гиасс: Восставший Лелуш», 2006-2008)
Однако одним любованием гигантскими роботами в Японии не ограничиваются. Часто они служат лишь частью научно-фантастического сеттинга. Тогда на них обращают внимание лишь во время битв, да и то не всегда, уделяя остальное время политическим интригам, заговорам и предательствам целого ряда необычных персонажей и построения мира, в который с легкостью веришь. Code Geass: Lelouch of the Rebellion принадлежит как раз к такому роду, а заодно дарит нам одного из необычнейших главных героев индустрии.
Во вселенной аниме-сериала Священная Британская Империя — самое могущественное тоталитарное государство в мире, ведущее войну с Европейским Союзом. Япония захвачена Британией и переименована в Зону 11, коренных жителей выселили в гетто и лишили многих прав. Именно в ней и живет главный герой истории, обычный, казалось бы, учащийся Академии Эшфорд — парень по имени Лелуш Ламперуж. Однако на самом деле он сын Императора Британии, всей душей ненавидящий своего отца и его правление. Судьба сталкивает его с загадочной девушкой С. С., которая дарит ему особую силу «гиасс», позволяющую подчинять людей своей воле. Тогда Лелуш начинает «крестовый поход» с целью свергнуть британскую диктатуру. Ради он этого он взял псевдоним Зеро, чтобы скрыть свою личность и быть образом для миллионов, а не просто человеком.
Так начинается одно из самых насыщенных событиями и сюжетными перипетиями японское произведение. Студия Sunrise и конкретно режиссер Горо Танигути прекрасно понимали, что обычный школьник не может устроить революцию на пустом месте, пускай даже со столь впечатляющей способностью. Потому на протяжении двух сезонов мы наблюдаем, как обычный человек противостоит целому миру в очевидно неравной борьбе. От игр с солдатами Лелуш переходит к настоящим террористическим актам, собирает группу единомышленников (Орден Черных Рыцарей) и впоследствии начинает вершить настолько масштабные деяния, что они определяют судьбы целых государств и наций.
Просто так на пути парня не дается ничего, потому каждое достижение ему приходится буквально зубами вырывать из цепких лап судьбы. Лелуш может надеяться на гиасс, но он не выручает его так, как острый ум, адаптивность и находчивость. Главный герой даже признается, что получение сверхспособности лишь ускорило воплощение в жизнь его плана, который он вынашивал уже давно. Всегда интересно следить, как же Зеро выпутается из очередной передряги и какие тузы спрятал в рукаве на этот раз.
В полной мере это раскрывается в сражениях, которые почти всегда похожи на полноценные военные конфликты, а не локальные стычки. У каждой стороны по нескольку десятков, а то и сотен и даже тысяч бойцов, в ход идут всевозможные виды вооружения и техники. Мехи, которые во вселенной «Кода Гиасса» называются Найтмэр Фрэймами, занимают особое место. Дизайнеры постарались приблизить их к реальности, потому нам демонстрируют пускай «человекоподобную» и очень быструю, но все же военную технику со своими ограничениями и недостатками, а не глянцевую и мелькающую игрушку для техно-фетишистов. А гений Лелуша снова и снова находит ей необычные применения, пускает в ход смелые, почти суицидальные тактики, поражая противников находчивостью. Не важно, насколько большие пушки на поле боя, ведь в первую очередь перед нами разворачивается битва умов.
Не прекращается она и во время более мирных моментов, ведь на голову Зеро и его Рыцарей постоянно сваливаются все новые и новые проблемы. Зачастую решения лежат за границей норм морали, из-за чего образ Лелуша складывается максимально неоднозначный. Он руководствуется благими целями, но способен пожертвовать миллионами мирных жителей без особой выгода. Он лжет боевым товарищам, но беспокоится о школьных друзьях. Он ранит всех, кого любит и кем дорожит, в моменты отчаяния просит ближайшую подчиненную отдаться ему ради «утешения», он высокомерен и заносчив, скрывает слабость за пронзительными речами. Главный герой этого аниме заслуживает пристального рассмотрения, ведь аналогов ему нет, а однозначный вывод о его поступках сформировать так и не выходит.
Его харизма перебивает всех остальных персонажей, даром что они тоже первоклассные. Старый друг детства Лелуша, презирающий Зеро и воюющий против него, слепая сестра протагониста, ради которой он и хочет перестроить мир, «ведьма» С. С., которая смотрит на трагедии и революции так, будто это обычная шахматная партия, и многие другие западают в душу, а их сюжетные линии переплетаются настолько тесно, что разрешить их мирно не выйдет никак. Из-за этого создается впечатление, что мир Code Geass живет своей жизнью, его жители постоянно чем-то заняты и к чему-то стремятся. Это уровень One Piece, мир которого некоторые считают самым проработанным в истории, только авторы «Кода Гиасса» смогли сразу уместить его в формат анимации и полноценно раскрыть всего за два года, а не за почти тысячу глав.
Тем поразительней, что к концу истории аниме умудряется не забыть о своих достоинствах, а лишь приумножить их. Да, в «Коде Гиассе» если слабые моменты и целые эпизоды, а визуальная стилистика «людей-макаронин» может немного смутить, однако на фоне общих художественных заслуг мелкие недочеты совсем меркнут. Тут умещено так много всего — мехи, семейная драма, научная-фантастика, антиутопия, политический и психологический триллер, даже немного комедии, и это только навскидку — и все компоненты все равно умудряются отлично работать друг с другом, не вступая конфликты, а лишь помогая раскрывать историю.
После просмотра Code Geass: Lelouch of the Rebellion интриги «Игры престолов» или какого-нибудь «Карточного домика» кажутся натужными и слишком простыми. А ведь их, на секундочку, переплюнуло аниме про человекоподобных роботов, в котором регулярно сыплют фразами вроде:
«Я не хочу сражаться. Но когда сильный убивает слабого и остается безнаказанным… Это непростительно! Только те, кто готов быть убитым, могут убивать!»
История Лелуша — это почти шекспировский «Гамлет» на новый лад, настоящее высокое искусство, которое все еще не подошло к своей развязке, в феврале 2019-го нас ожидает фильм-эпилог. Потому у всех есть еще несколько месяцев, чтобы успеть приобщиться к живой классике, которая у нас на глазах успела изменить всю отрасль аниме.
Miss Kobayashiʼs Dragon Maid («Дракон-горничная Кобаяси-сан», 2017)
Если судить по вышеперечисленным примерам, то может показаться, что аниме состоит из одной «крови-пафоса-роботов-драмы-нагнетания» и щепотки музыки сверху. Но если открыть список релизов любого сезона, что там заметно, что юмористические, романтические и бытовые тайтлы преобладают над фикшеном. Только вот незадача — что с юмором, что с любовью, что с бытом людей создатели ударяются в такие крайности, что смотреть порой становится невозможно. Аниме с правильно выдержанным балансом этих составляющих встречается редко. Потому очень хорошо, что в 2017-м вышла аниме-адаптация манги «Дракон-горничная Кобаяси-сан».
Завязку следующая — однажды утром офисный клерк Кобаяси обнаруживает по дороге своего дома гигантского дракона. Не успев толком испугаться, героиня к своему удивлению видит, как мифическое создание превращается в девушку с хвостом. Последняя представляется Тору и говорит, что прошлой ночью Кобаяси спасала ей жизнь и предложила ей поселиться в своем доме, чтобы работать там горничной. Загвоздка в том, что предложение было сделано после огромного количества выпивки, потому девушка даже не может его вспомнить. Однако в итоге соглашается на странное соседство, так начинается новая совместная жизнь созданий из разных миров.
Фабула напоминает эдакую «историю о попаданце наоборот», когда в наш обычный мир приходит волшебное существо. Тору мало знает о том, как быть домохозяйкой, потому ее методы уборки, стирки и готовки достаточно экстравагантны. Например, она все время пытается накормить Кобаяси своим хвостом, одежду вылизывает языком. Однако привязанность к своей спасительнице и желание помочь заставляют дракона учиться и узнавать новое о странном для нее мире людей, потому с каждой серией она становится все более и более профессиональной горничной.
Сюжет не концентрируется лишь на столь странной парочке, со временем появляются и другие герои, так или иначе связанные с мифологией. Девочка-дракон Канна выглядит еще совсем юной и по-детски наивной, потому главная героиня отдает ее в начальные классы. Богиня Кетцалькоатль, которую из-за сложности имени называют просто Люко, спасла мальчика Сету от суккуба и теперь присматривает за ним, иногда забывая о своей излишней откровенности и эротичных нарядах. Мрачный Фафнир сначала презирает людей и считает их низшими созданиями, а в итоге становится отаку, ночами напролет играющим в MMO.
На странных перевоплощениях величественных созданий, который могут вполне успешно адаптироваться среди человечества, и строится основной юмор аниме. Который, стоит признать, сделан без почти без громких криков, переигрываний и натужно смеющихся актеров озвучки. Все панчлайны и визуальные гэги подаются ненавязчиво и виртуозно, от них искренне хочется смеяться или хотя бы улыбнуться.
Улыбка не сходит с лица на протяжении всего просмотра. И тут дело даже не в смешных ситуациях, а в постоянном ощущении какого-то житейского, семейного тепла, сродни тому, которое царит в доме, когда все старые друзья и родственники съезжаются на Новый год. Причем нам показывают трансформацию персонажей, которые преодолевают свои предубеждения ради других. Той же Кобаяси до встречи с Тору не нужно было ничего, кроме посиделок с пивом после работы, однако за время аниме она научилась переживать и сочувствовать, жертвовать своими амбициями и временем, даже с семьей помирилась, с которой не общалась уже давно.
Студия Kyoto Animation сумела всего в 13 сериях создать и отличную комедию положений, и сюжет о сосуществовании отличающихся во всем людей. В сценах с праздниками и обычными домашними посиделками можно найти себя во время определенного этапа жизни. После окончания последней серии хочется прямо как местные герои отбросить мрачные мысли с предубеждениями и написать старым знакомым, чтобы просто узнать, как у них дела. Это редкий для аниме случай, когда без гиперболизации всего и вся история все равно сумела добиться своих высот, потому и заслуживает ознакомления.
После нее проще относишься и к обожаемым в Японии девочкам-«вставь-сюда-имя-животного-или-предмета», и к сюжетам, действие которого может разворачиваться буквально в одной квартире, и к интересному подходу японских сценаристов к юмору. «Дракон-горничная Кобаяси-сан» — это максимально дружелюбная к новичкам точка вхождения сразу в несколько жанров, потому для начала знакомства с миром аниме подойдет на ура.
Boku no Hero Academia («Моя геройская академия», 2016-2018)
О до неприличия огромном количестве серий в некоторых аниме наслышаны даже те, кто с жанром совершенно не знаком. На «Наруто» выросло сразу несколько поколений, а некоторые люди успели полюбить и разлюбить восточную анимации, завести семью и детей, пока One Piece все еще не закончился. А ведь в сенэнах есть свои уникальные достоинства, которые, увы, не всегда просто различить за несколькими сотнями эпизодов. Потому новичкам лучше посмотреть нечто высококонцентрированное и неперегруженное филлерами. Например, «Мою геройскую академию»,
Автор оригинальной манги Кохэй Хирокоси и не скрывает, что очень много почерпнул из «Наруто» Масаси Кисимото. Об этом он заявил после выхода ее заключительной главы. Также мангака упоминал всем известные One Piece и Akira, а также менее распространенные вещи — Tekkonkinkreet (про двух сирот с улицы, которые пытаются захватить власть в городе) и Boys on the Run (про торговца, который становится боксером, чтобы завоевать сердце девушки).
С другой стороны, большое влияние на автора оказали классические западные комиксы, в особенности от издательства Marvel. В одном интервью он признавался, что иногда при создании глав даже использует комиксы для создания визуальных отсылок или поиска вдохновения. Это, кстати, заметно в некоторых моментах, которые переиначивают культовые развороты, к примеру, историй о Человеке-пауке.
Сюжет разворачивается вокруг старшеклассника Идзуку Мидории. Во вселенной аниме у 80% населения есть хоть какая-нибудь суперспособность, которая называется «причуда» или «квирк». Увы, Мидория родился совершенно обычным человеком, но это не помешало ему с детства грезить о судьбе героя. На это его вдохновил самый сильный герой в мире — Всемогущий, спасающий мир с улыбкой на лице. Однажды судьба сталкивает парня со своим кумиром, когда в огромной толпе людей только Идзуку решился помочь ребенку. Всемогущий замечает его и решает сделать своим преемником, наделив его своим уникальным квирком Один За Всех, который заключается в накоплении силы и передаче способностей новому владельцу. Таким образом Мидория получает шанс поступить в Академию U.A., в которой обучают будущих героев.
Студия Bones ответственно подошла к своей работе, потому «Моя геройская академия» отличается высоким качеством анимации и подробной прорисовкой. Если сравнивать с тем же One Piece, некоторые серии которого состоят буквально из пары-тройки простых сцен, то разница очевидна и приятно радует. Тебе не приходится идти на сделки с совестью во время просмотра, проматывать неинтересные моменты или даже пропускать целые сюжетные арки. В истории Идзуку Мидории ровно столько всего, чтобы интерес не терялся на протяжении всех трех сезонов, а желание ждать четвертый никуда не исчезло.
Стандартная формула «тренировок-битв» в аниме играет новыми красками. Она не кажется надоевшим штампом, ведь именно обучению будущих супергероев и посвящена местная история. Все ошибки, поражения и победы персонажей обусловлены лишь их умением обращаться со своим квирком, которое они выработали на уроках или самостоятельных тренировках. Потому шутка об «очередном аниме про школьников» перестает быть смешной, ведь юный возраст героев — это не фан-сервис или потакание народным мнениям, а важный сюжетный инструмент.
Отсюда вытекает, что все аналоги «пляжных эпизодов», школьных фестивалей, соревнований между классами и прочие эпизоды, которые в иных многосерийных аниме должны лишь растягивать время до важных моментов, радовать подростков и экономить бюджет, играют свою роль в истории. «Моя геройская академия» показывает взросление со всех возможных сторон. Зрителей ожидают конфликты между старыми друзьями, первые неловкие чувства, претендующие на влюбленность, постоянный дух соперничества и огромное количества глупого, но приятного веселья.
Так как у нас тут все-таки сенэн, то главная роль в постановке отводится битвам. И они превосходны. Удалось обойтись без бесконечных полетов на мутном фоне, невнятных ударов и долгих выкриков названий способностей. С главным героем вообще все интересно, ведь использование квирка фактически разрывает его на части: тело Мидории не готово к столь огромной силе, полученной лишь недавно. Таким образом решили еще одно аниме-клише — постоянные «почти провалы» и последующие превозмогания главного героя, когда он неожиданно находит в себе силы победить. У Идзуку такого нет, ведь чем дольше затянется битва, тем выше вероятность, что он умрет от ран, нанесенных своей же силой. Тогда в ход идут умные тактики и попытки перехитрить соперника, отчего в конфронтациях побеждает более умный, а не более могущественный.
«Моя геройская академия» также затрагивает тему семейных отношений, которые порой оказываются напряженнее любых стычек со злодеями. Ученики Академии U.A. часто зависимы от своих родственников, которые возлагают на них слишком большие надежды или чересчур беспокоятся. Не забывает аниме и про второстепенных персонажей, которые не исчезают после своей сюжетной арки, ведь их истории продолжают развиваться на фоне остальных событий. В Boku no Hero Academia ничего не бывает просто так, у каждого поступка и даже фразы есть свои далеко идущие последствия. Сразу видно, что автор сюжета не пишет наобум — у него есть четкое представления о построении повествования.
После этого аниме вам будет проще смотреть на постоянно мельтешащий в аниме экшен-сцены, да и многие штампы покажутся привычнее. На сегодня Boku no Hero Academia удерживает титул лучшего сенэна, жанра, чье величие закончилось к концу «нулевых» годов. И сейчас отличный момент, чтобы приобщиться к, возможно, последнему великому произведению, строящемуся на концепции постоянных битв.
No Game No Life («Без игры жизни нет», 2014)
Продолжаем наше путешествие по «страстям» создателей аниме. Так повелось, что любят они очень мудреные игры с запутанными правилами. Сложился даже поджанр, в котором главный герой должен постоянно играть в игры (реальные или выдуманные). Многие серьезные аниме используют эту концепцию при сражениях, потому не удивляйтесь обилию турниров на любой вкус в восточной анимации. Также почетом пользуются истории о «попаданцах» в другой мир, зачастую граничащие с этти, то есть легкой (иногда — не очень) эротикой. Все вышеперечисленные пункты вобрало в себя аниме No Game No Life.
Главные герои — 18-летний Сора и 11-летняя Сиро, затворники, днями напролет играющие во всевозможные игры. Они заработали себе статус непобедимых, их отличительная особенность — сплошные пробелы в никах, что выглядит как «『 』». Однажды они побеждают в шахматах самого бога игр Тэта, который приглашает их в свой мир — Дисборд. В нем все вопросы решаются при помощи игр, насилие запрещено Десятью Правилами. Люди в Дисборде называются «иманити» и занимают последнее из 16 рас место. Однако Сора и Сиро твердо намерены это исправить.
Так начинаются их приключения, полные всевозможных игр. За 12 серий аниме нам успеют показать, как территориальные и расовые конфликты можно решать при помощи шахмат, видеоигр, реверси, подброса монетки и даже сиритори (японский аналог игры в слова, когда следующее слово должно начинаться с того же слога, что и предыдущее). Так как набить лицо противнику в случае поражения невозможно, то в ход идут высокие ставки, читерство, особенности каждой расы и, конечно же, невообразимые по своей сложности тактики, призванные перехитрить соперника. Каждый ход, будь то даже движение шахматной фигурой, подан с эпатажем и максимальной драматизацией происходящего, потому обычные игры превращаются в нечто сродни судьбоносным дуэлям.
А когда главные герои не выигрывают, они ведут себя как типичные хикикомори — говорят и делают абсолютную чушь. Однако их обаяние все равно привлекает людей и представителей других рас к ним, а Сора и Сиро не забывают над ними поглумиться. Это создает очень много абсурдных и забавных ситуаций, дополняющих всеобщий эмоциональный подъем. Серьезные моменты в равной степени разбавлены комедией, а яркие и контрастные цвета лишь подчеркивают «игровые» настроение.
Если захотеть, можно усмотреть в No Game No Life и оду пацифизму, и идеи о том, что во всех людях есть своим достоинства, так что не стоит судить «книгу по обложке», и прочее-прочее-прочее. Однако тут у нас случай, когда лучше не множить сущности, а просто насладиться аниме, которое смотрится на одном дыхании, поудивляться находчивости главных героев, улыбнуться с шуток или, например, подметить полуголых героинь в бане.
Кстати, это же аниме познакомит вас с горечью от отсутствия второго сезона (но вы можете немного усмирить боль, посмотрев полнометражку No Game, No Life Zero). Как показывает опыт, «Без игры жизни нет» спокойно смотрят и одобряют даже те, кто на дух не переносит аниме, а значит, у авторов из Madhouse получилось смешать все ключевые составляющие в правильных пропорциях.
Higurashi no Naku Koro ni («Когда плачут цикады», 2006-2009)
А напоследок мы посоветуем аниме, которое подойдет далеко не всем, но если вы его полюбите, то окончательно и бесповоротно. Оно медленное и запутанное по структуре сюжета, с временами карикатурным рисунком и худшими проявлениями японского юмора. Но не ведитесь на милых девочек с картинки выше, ведь «Когда плачут цикады» — одно из самых сложных, мрачных и трагичных аниме.
Сюжет разворачивается в небольшой деревушке Хинамидзава, в которой существует традиция проведения праздника Ватанагаси. Последние 4 года во время фестиваля обязательно умирает один человек, а кто-то другой пропадает без вести. В деревню из города приезжает парень Кэйити Маэбара, который сближается с участницами школьного игрового клуба — Рэной, Мион, Сатоко и Рикой. Вместе они постоянно веселятся и проводят беззаботные дни, которые скоро закончатся. Ведь близится очередной Ватанагаси.
Будьте готовы, что радужный тон аниме очень быстро закончится, уступив место кровожадности. Причем пугают тут даже не банальной расчлененкой, а более неприятными методами причинения боли. Например, острой иглой внутри рисового шарика или выдиранием ногтей. Иронично, что взрослых в аниме убивает более приземленными способами, а вот дети страдают в полной мере.
Причем как раз по вине старших, ведь деревня Хинамидзава хранит очень много грязных тайн, вскрывающих все людские пороки. Авторы успевают пройтись как по масштабным злодеяниям (правительственные заговоры, секретные эксперименты и прочее), так и по более приземленным, но не менее ужасным поступкам (убийство супруга ради его денег, эксплуатация детского труда). В итоге оказывается, что никто не без греха в этой безумной истории.
А когда на сцену выходит мистический элемент, сюжет и вовсе выходит на кардинально новый уровень, который какому-нибудь Нолану и не снился. Сюжетные линии расслаиваются, история прыгает назад во времени и подается от лица разных героев (пускай может показать, что мы их давно знаем). Пазл сходится воедино лишь под конец, причем предугадать настоящего злодея достаточно тяжело.
Персонажи тоже регулярно умудряются удивлять, превращаясь из лучших существ в мире в инфернальные порождения безумного создания, которые знают тысячу и один способ твоего умерщвления. Поначалу подобные метаморфозы исключительно пугают, но чем больше узнаешь о прошлом героев и обстоятельствах, с которыми они вынуждены мириться, тем сильнее проникаешься к ним сочувствием и начинаешь осознавать, что они лишь заложники своего положения. Даже финальный момент антагониста получился очень трогательным, а его мотивация вызывает искреннюю грусть и убежденность в несправедливости мира.
«Когда плачут цикады» постоянно играет с чувствами и ожиданиями, разрушая то, в чем был стопроцентно уверен, и подтверждая самые фантастические домыслы. Это один из лучших детективов, который использует жестокость не как центральный элемент, а лишь для контекста человеческой испорченности. А еще это, пожалуй, самая достойная и почти дословная адаптация визуальной новеллы в анимационный формат. Так что просмотр может аниме может не только открыть дорогу к японским хоррорам, триллерам и гуро, но и познакомить с новым видом интерактивных развлечений.
Но для начала нужно прояснить несколько моментов. Конечно, мы далеко не первые и явно не последние взявшиеся за составление подобного гайда. Проблема в том, что почти все уже существующие руководства не справляются со своей задачей втянуть человека в мир аниме. Авторы обычно включают в них сериалы и полнометражки, которые восхитительны и прекрасны сами по себе, но совершенно никак не побуждают дальше исследовать жанр. Получается, что первоначальная цель материала уничтожается, он превращается в обычную подборку годноты, но не более.
Потому мы поставили себе несколько правил. Во-первых, никаких работ Хаяо Миядзаки, Макото Синкая — и даже Сатоси Кона и Мамору Хосоды. Они и так встречаются повсеместно и у всех на слуху. Пускай каждый пункт фильмографии этих великих мастеров заслуживает пристального внимания и вполне сгодился бы для отдельного обзорного материала, но вы вряд ли сможете после них самостоятельно искать что-то другое. Уж больно эти авторы самобытные и уникальные. Как в свое время писал известный российский фантаст, «творчеством Миядзаки знакомство с аниме лучше всего начать — а также закончить».
Отсюда вытекает второе правило. Мы не утверждаем, что все нижеперечисленные аниме заслуживают звания лучших из лучших, безоговорочной любви и высочайшего уровня почета. Местами они заштампованы или проигрывают в чем-то коллегами по жанрам, но ведь и заголовок этой статьи не звучит как «самые лучшие аниме-сериалы». Это именно те работы, которые могут заинтересовать тематикой, подходом к сценарию и другими нюансами, после чего вам захочется поискать что-то похожее. Потому в конце каждого пункта мы приведем еще примеры, которые могут понравиться на основе упомянутого.
В-третьих, мы постарались брать преимущественно аниме, вышедшие после 2000-го. Причина очевидна: технологическая сторона восточной анимации не стояла на месте, потому если полнометражные и OVА-работы прошлого века еще смотрятся в целом неплохо и сегодня, то вот картинка эпизодического формата того времени сильно устарела и не идет ни в какое сравнение с современными проектами. Более того, хватало тогда и шаблонных сюжетных ходов, от которых аниме последних годов стараются избавиться. Оставим шедевры Лэйдзи Мацумото и Мамору Осии для отдельной статьи.
В-четвертых, материал намеренно обойдется без полнометражных фильмов и даже OVA — тут лишь исключительно классические ТВ-сериалы. Подобный формат составляет основу жанра, потому позволяет ближе познакомиться со структурой повествования и стилистическими особенностями. Конечно же, некоторые франшизы настолько популярны, что вышли за пределы ТВ-формата, потому мы отдельно упомянем, если у произведения есть что-то стоящее помимо сериала.
И не забывайте, что сколько людей, столько и мнений, все хорошее невозможно уместить в один текст, а у каждого свои субъективные представления о лучших аниме для начинающих, которые он считает правильными. Потому не стесняйтесь, смело высказывайте свое мнение и приводите достойные примеры в комментариях!
Samurai Champloo («Самурай Чамплу», 2004-2005)
Синъитиро Ватанабэ — единственный аниме-режиссер, создающий действительно качественные сериальные проекты, в основе которых не лежит манга или какой-то иной первоисточник. Оба его признанных шедевра — Cowboy Bebop и Samurai Champloo — отличает беспрецедентная для аниме работа со сценарной основой.
Это не безответственный авторский выплеск эмоций в духе Evangelion и не второсортный экшен с третьесортными диалогами от штатного сценариста в стиле Gurren Lagann. Это настолько же самобытные и креативные, насколько и взвешенные, профессиональные сценарии с грамотно выстроенными арками героев, сквозной сюжетной линией и настолько ювелирно подобранным филлером, что эпизоды «на передышку» затмевают большую часть основной «сюжетки»…, но при этом финал и того, и другого сериала Ватанабэ все равно напрочь выносит по качеству все, что вы до этого читали в манге или смотрели в аниме.
По сравнению с «Бибопом» Samurai Champloo подводят сеттинг и общая сюжетная канва — они тут до того неоригинальные, что сериал не пользуется особой популярностью даже среди самых яростных любителей японской культуры в редакции «Канобу». Что может быть банальнее, чем аниме про самураев феодальной Японии? К тому же, герои словно бы сошли со страниц романтической манги или light novel для девочек — красавцы-мечники Мугэн и Дзин, горячий хулиган и холодный интеллектуал, сопровождающие 15-летнюю героиню (классическую идеализированную Мэри Сью с кавайной белочкой!) в ее поисках давно исчезнувшего отца — «самурая с запахом подсолнухов».
Но, как подсказывает название, переводящееся как «самурайское тямпуру» или, по-нашему, «винегрет», Ватанабэ намеренно взял столь бесперспективные сеттинг и героев, чтобы ярче блеснуть сталью таланта, перемешать все со всем, опрокинуть представления о временных рамках и законах жанра — да и вообще об аниме и сериальной продукции. Япония времен правления Токугавы в его интерпретации оказывается сборником вообще всех национальных культурных тенденций, от традиционных боевых искусств, настольных игр и кодекса бусидо до рэпа, ирокезов и спортивных костюмов.
Знаменитый 5 эпизод, посвященный становлению стилизованной японской гравюры укие-э (и, как следствие, манги с аниме) вплетает в происходящее Ван Гога с Гогеном и углубляется в криптоисторию мировой живописи, не забывая при этом играть с точкой зрения на происходящее и личностью рассказчика. Бейсбол, брейкдэнс, граффити — все это ловко вживлено в стандартные самурайские сюжеты о поединках, подвигах и покушениях, становясь сквозным комментарием о восприимчивости японской культуры к посторонним влияниям на фоне исторической политики жесточайшего изоляционизма.
И даже сама незамысловатая young adult-история о юной девушке и двух потенциальных любовных интересах, непонятно почему помогающих Мэри Сью в ее очень длинном и скучном квесте, в Samurai Champloo преображена в удивительно пронзительную экзистенциальную притчу о тщетности любого поиска. Ведь подсолнухи, как известно, ничем не пахнут.
Креативность Ватанабэ и его режиссерско-сценарной группы не ограничивается работой с сюжетом и сеттингом. Бои Мугэна и Дзина на мечах с различными противниками (и друг с другом) поставлены не просто с блеском — на их фоне меркнут лучшие батальные сцены таких гениев аниме-экшена, как Есиаки Кавадзири и Мамору Осии.
Это не просто верткий, летучий экшен в плане хореографии. Во времена «Ковбоя Бибопа» Ватанабэ прославился тем, что использовал операторские и режиссерские приемы из кино, намеренно создавая себя картинку с физическими ограничениями декораций, камеры и актеров. Во время боя что-то остается за кадром — не успел оператор! — а сама картинка может оказаться искаженной, растянутой — как бы из-за съемки всей хаотичной сцены на статичный широкоугольный объектив. В «Самурайском винегрете» Ватанабэ шагнул еще дальше — совместил свои традиционные кино-приемы с пониманием того, что в аниме можно рисовать вообще что и как угодно, разорвал все шаблоны хореографии и вывел видеоряд боевых сцен в психоделику и сюрреализм.
Знаменитейший эпизод, где бой на мечах происходит в горящем поле конопли, анимировал сам гениальный Юаса Масааки, режиссер потрясающего Devilman Crybaby, все боевые сцены которого выросли из сюрреалистической стилистики Samurai Champloo.
Рядом с Samurai Champloo в мировой культуре можно поставить разве что «Затойчи» Такеши Китано — сюжет, режиссура, саундтрек, хореография тут не укладываются в жанр и даже в форму искусства, это рисованный, насквозь японский сериал, который язык не поворачивается назвать аниме (возможно, этим и объясняется его сравнительная малопопулярность).
С одной стороны, перед нами деконструкция всего на свете. С другой — на месте снесенных самурайских штампов тут возведен невероятно красивый, стильный и оригинальный новый канон, которому в современной культуре уже невозможно не следовать.
Ранее опубликовано в материале «Топ 100 сериалов „Канобу“. Часть 9 (20-11)».
Cowboy Bebop («Ковбой Бибоп», 1998-1999)
Если «Чамплу» — это дерзкий и бунтарский хип-хоп эпохи Эдо, то «Ковбой Бибоп», скорее, блюз Дикого Запада. Сравнение очевидно, ведь именно в этих жанрах выполнены саундтреки аниме-сериалов. Но аналогия уходит гораздо глубже в суть музыки. Ведь не зря «blue» — это не только «голубой» на английском, но еще и «подавленный», а блюзовые композиции пропитаны тоской и горечью жизни человека. Прямо как и приключения команды охотников за головами на космическом корабле «Бибоп».
В будущем человечество разъехалось по Солнечной системе, освоив Венеру, Марс, спутники Юпитера и Сатурна. На Земле почти никого не осталось из-за постоянных метеоритных дождей. В системе сильно повысился уровень преступности, из-за чего правительство начинает охоту за головами в стиле Дикого Запада. Любой человек может увидеть в телепередаче Big Shot опасных преступников и награду за них, а затем попытаться поймать злоумышленников. Именно этим и занимаются главные герои Спайк Шпигель и Джет Блэк.
Со временем к их дуэту присоединится une femme fatale Фэй Валентайн, юный гениальный хакер Эдвард и самый умный корги в мире по имени Айн. Объединены они одним — бегством от своего тяжелого прошлого, с которым герои не могут смириться, потому стараются не обращать на него внимания. Тоска по ушедшим дням в той или иной форме проявляется в каждой серии, даром что разнообразие сюжетов и ситуаций в аниме достигло максимального уровня.
Есть здесь и классические детективные расследования, и моменты с ограблениями, и мрачный техно-триллер, даже для пародии на «Чужого» и серии, посвященной безделью (которую, кстати, попытались воссоздать авторы Ergo Proxy в эпизоде Busy Doing Nothing), нашлось место. Будь «Ковбой Бибоп» антологией подобных небольших новелл, то все равно бы запомнился и вошел в историю как одно из самых лучших художественных произведений. Режиссер Ватанабэ Синъитиро даже мельчайшие эпизоды и второстепенные сюжетные линии прорабатывает с таким качеством, до которого целые многосерийные аниме и близко не дотягивают.
А когда на первый план выходит основная история, раскрывающая прошлое главных героев, ты окончательно влюбляешься в «Ковбоя Бибопа». Через калейдоскоп нео-нуара, космического вестерна и щепотки киберпанка нам рассказывают о понятиях, в какой-то степени близких каждому человеку. Неудачные отношения, неловкие разговоры с бывшей «второй половинкой», затаившиеся обиды, только и ждущие момента, чтобы высвободиться потоком ярости — сквозь наполненные экшеном приключения и невероятные события аниме-сериал раскрывает всю палитру человеческих эмоций, которая зачастую выдержана в блеклых, почти выцветших красках.
Важную, если вообще не главную роль в создании нужных настроений играет музыка, которую нам подарила композитор Еко Канно и специально созданная для аниме группа The Seatbelts. Исходя из названия сериала, можно было бы ожидать сплошные джазовые ритмы, ведь бибоп — это как раз подвид джаза. Однако музыкальное сопровождение выходит за рамки всех предположений, в нем смешивает мотивы вестернов, этнические песнопения, уже упоминаемый блюз, даже без реверансов в сторону классики рока не обошлось. Каждый вокальный трек — это праздник сам по себе, эпизод в эпизоде, не какой-то там фон для событий на экране, а полноценный участник постановки, порой затмевающий всех остальных актеров.
По результатам голосования IGN саундтрек «Ковбоя Бибопа» был признан лучшим за всю историю существования аниме. Громкое заявление, на в этом случае — совершенно заслуженное. История экипажа «Бибопа» станет наслаждением для всех меломанов. Впрочем, далеко не для них одних. Все любители научной фантастики, вестернов, нуара, космических приключений, драм о тяжести человеческих судеб и просто первоклассных историй найдут тут нечто для себя. Один лишь совет — не расслабляйтесь, если вдруг подумали, что раскусили все тропы аниме. У Ватанабэ Синъитиро всегда есть как минимум парочка запрятанных козырей, только ждущие часа, чтобы вас удивить.
Mahou Shoujo Madoka Magica («Девочка-волшебница Мадока Магика», 2011)
В Японии особое отношение ко всему милому. Не зря же почти во всех сферах культуры там встречаются зверушки-маскоты, которые западному человеку могут показаться несуразными и глупыми. Под определение «милого» зачастую попадают и маленькие девочки-школьницы. Потому то, что для Запада разврат и нарушение всех правил, для Японии — искусство и «обычная рисованная анимация», в которой порой допускаются очень любопытные вещи. Чтобы преодолеть культурный шок, надо сгладить первое впечатление чем-то еще более неординарным. В этом может помочь аниме-сериал «Девочка-волшебница Мадока», прививающий любовь к девочкам-волшебницам и «милоте» пересказыванием «Фауста» Гете, фильма «Донни Дарко» и прочими совсем недетскими вещами.
Для работы над сериалом в студии Shaft объединились два японских таланта первой величины. Первый — режиссер Акиюки Симбо, известный своей авангардной анимацией на грани с эротикой по Bakemonogatari и Sayonara Zetsubou Sensei. Второй — сценарист Уробути Гэн, которой может и создать неплохой sci-fi мир (Psycho-Pass), и написать превосходящий оригинал спин-офф по известной вселенной (Fate/Zero), и даже шокировать чем-то до ужаса мерзким, но все еще привлекательным (Saya no Uta). Подобный дуэт физически не мог подарить нечто обыденное, пускай завязка и пытается обманом доказать обратное.
14-летняя девочка Мадока Канамэ, наполненная наивностью и верой в лучшее завтра, была самой обычной школьницей без каких-либо талантов. Но судьба столкнула ее с загадочным существом Кьюбэем, которое предлагает ей стать волшебницей и уничтожать ужасных ведьм в обмен на исполнение любого желания. Однако постепенно вскрываются не самые приятные детали подобного контракта, а Мадоку, которая пока даже не согласилась на борьбу с ведьмами, начинает преследовать загадочная и мрачная волшебница Хомура, явно знающая больше о мире вокруг.
Первые три серии кажутся стандартным махо-седзе, то есть историей о девочках-волшебниц, переодевающихся во время красочных заставок и сражающихся с великим и бесформенным злом. Но даже тут «Мадока» выделяется потрясающим визуальным стилем, который жертвует прорисовкой персонажей, ставя все на стилизацию. Многие моменты выглядят, словно рисунки живописцев или средневековые гравюры. А мрачные намеки и тени на задних планах лишь усиливают ощущение, что вскоре все покатится к чертям.
Так и происходит, причем к кардинальной смене настроения в аниме ты оказываешь не подготовлен, даже учитывая все сценарные подсказки. Тогда «Мадока» и раскрывается во всей красе, ведь это вовсе не та история, в которой «милые девочки делают милые вещи». Аниме-сериал рассказывает о бесконечном страдании Вселенной (как ни странно звучит, но это в прямом смысле) и ее попытках выжить, с начала времен жертвуя маленькими девочками, примерно поровну заполненными надеждами и сомнениями. Даже цветовая палитра со временем кажется все более кислотной и блеклой, играя на контрасте с яркими и теплыми цветами первых серий.
Авторы успели затронуть и тему медленно, но верно умирающего из-за энтропии мира, и безуспешные попытки изменить реальность вокруг, и даже переиначить трагедию Фауста и Маргариты, ставших жертвами коварной игры Мефистофеля. Аниме пестрит символами и метафорами, которые можно обсуждать часами, при этом основной сюжет остается максимально доступным. «Девочка-волшебница Мадока» — это аниме о людях в безвыходной ситуации, из которой физически нельзя найти выход, чтобы все были счастливы.
Смешанные впечатления может вызвать последняя серия, которая, если верить фанатской теории, была в первоначальном варианте гораздо мрачнее, однако из-за мощнейшего землетрясения в Японии ее переделали в более оптимистичную. Но полнометражный аниме-фильм Puella Magi Madoka Magica the Movie — Rebellion ставит все на свои места, изысканно подводя итог всем идеям, заложенными авторами. Твоя любовь может никогда не ответить взаимностью, весь мир проигнорирует твои действия, а сам ты сломаешься и перестанешь быть собой, только всем будет наплевать — не самые светлые, но, увы, временами до боли реалистичные мысли.
«Мадоку» можно легко принять за нечто бессмысленное из-за постоянных сценарных абстракций и визуальной экспрессии вместо классического построения повествования. Но в этом же и кроется основная прелесть аниме-сериала. Все в нем, от сюрреалистических сценок до оркестровой и пробирающей с первых нот музыки Юки Кадзиуры, работает на создание атмосферы жуткой сказки, близкой к начальным вариантам произведений братьев Гримм или Ханса Христиана Андерсена. А местная визуальная часть запросто может стать для вас синонимом вершин анимации.
После окончания аниме невольно замечаешь, что тебя перестает дергать от мельтешащих тут и там в японских произведениях школьниц, которые своими высокими голосами у некоторых вызывают отвращение. Просмотр Mahou Shoujo Madoka Magica — это особый вид шоковой терапии, который запросто открывает дорогу ко всем остальным творениям студии Shaft и к целому жанру махо-седзе. И достигается подобный эффект всего за двенадцать серий или же три полнометражки.
Tengen Toppa Gurren Lagann («Гуррен-Лаганн», 2007)
Есть у японцев еще парочка страстей — к человекоподобным роботам, к гигантомании и, что следует из предыдущего, к пафосу. Даже не так — ОГРОМНОМУ ПАФОСУ, который без капса даже как-то неловко писать. Если любовные отношения — то обязательно с постоянными скандалами и тайнами прошлого, если дуэли — то с высокопарными речами и приемами, которые даже просто рассмотреть тяжело, а если роботы — ты огромные и внушающие трепет. В принципе, «Гуррен-Лаганн» можно смотреть исключительно ради них, ведь где еще во время сражений кидаются галактиками? Но на деле у аниме оказывается второе и даже третье дно, отчего интерес во время просмотра лишь усиливается.
Говоря о «Гуррен-Лаганне», можно было бы спокойно написать текст, состоящий целиком из цитат одного из главных героев — Камины. Получилось бы нечто, наполненное подобным:
МАГМА ТЕЧЕТ В НАШИХ ВЕНАХ, РАСКАЛЯЯ СЕРДЦА!
В какой-то мере, это было бы исчерпывающее описание одного из лучших аниме-сериалов студии Gainax. Потому что «Гуррен-Лаганн» — это лавины и звездопады пафоса, безразмерные катаны и бесконечное «ты за кого меня держишь?!». Максимально броское, абсолютно безбашенное, лишенное каких бы там ни было тормозов и ограничений японское безумие, помноженное на само себя.
Но Gainax не была бы собой, ограничься она лишь одним пластом истории. «Гуррен-Лаганн» условно можно разделить на 4 промежутка, каждый из которых вполне заслуживает отдельного сезона. В них свои настроения, акценты и идеи, скрепленные общим сюжетом и персонажами.
Причем с сюжетом авторы не побоялись экспериментировать. Настроились на серьезный лад и драму? Получайте серию, в котором мужская половина действующих лиц жаждет лицезреть голых девушек! Поверили во всемогущество героев? Упс, они погибли, с кем не бывает. Готовитесь к очередной дозе пафоса? Самое время включить политический триллер, смешанный с фильмом-катастрофой.
Аниме-сериал не перестают удивлять ни на секунду, не забывая в каждой серии повышать ставки в геометрической прогрессии. Сюжет начинается с желания Камины и его друга Симона покинуть свой подземный город и увидеть мир, а заканчивается сражением, в котором скопления звездных систем используются как оружие, а новые Большие Взрывы гремят тут и там. Потому что:
«Времени, пространства ли, что угодно — для нас все это не имеет значения. Это наш путь, и мы идем по нему так, как можем и хотим. Потому что мы — Мега-Гуррен-Дан!»
Но «Гуррен-Лаганн» еще умен и глубок в достаточной степени. Он не кажется слишком заумным, но в нем есть, что поразбирать. Отдельные серии и сюжетные линии рассказывают об обманчивости религий, коварности властей и обществе, которое готово сделать из тебя козла отпущения и уничтожить в мгновение ока. Местные персонажи развиваются, сталкиваются с жестокой реальностью, сомневаются и почти ломаются. Но всегда находят силы вновь идти вперед.
Потому если вдуматься, что понимаешь, что «Гуррен- Лаганн» не только об Очень Больших Роботах (хотя они важны, чего уж спорить). Он о том, как принять любые потери и поражения на пути к своей мечте. Как казаться глупым и наивным, лишь бы не впасть в отчаяние. Как не взирать на презрение и предательство близких людей, встречать врагов с улыбкой и дерзить в лицо злому року. Чтобы в итоге жить Happily Ever After, прямо по названию одной из песен в аниме.
Кстати, о музыке. Композитор Ивасаки Таку записал мелодии, полностью соответствующие духу аниме. То есть максимально громкие и пафосные, от которых самому хочется сломить всех вокруг. Правда, запомните вы, скорее всего, не их, а знаковое «Row! Row! Fight the power!». Рисунок тут тоже на высоте. В моменты особого накала страстей художники и аниматоры словно сходят с ума, изображая безумные и яркие формы. Если понятие«визуальный оргазм» вообще можно употреблять, то к «Гуррен-Лаганну» оно применимо стопроцентно
А еще это редкий случай, когда русский дубляж оказался лучше оригинала! Спасибо за это стоит сказать студии Reanimedia, которая с душой отнеслась к своей работе. А максимальных почестей заслуживает Александр Фильченко, озвучивший Камину. Уж его фразы и эмоциональность вы явно запомните навсегда. Да и к русским субтитрам опенинга подошли ответственно, потому теперь у нас есть:
Если мы живы не зря,
Безрассудно страстью горя,
Мир вспоря, наша заря
Родит света ростки.
С «Гуррен-Лаганна» запросто можно начинать смотреть аниме, настолько в нем все прекрасно. Не посмотреть историю Камины и Симона — настоящий грех для всех любителей анимации в целом. Мало что может так же зарядить энергией и верой в лучшее завтра, как 27 серий «Гуррен-Лаганна». И кто знает, быть может, после просмотра и вы обнаружите в себе бур, способный пронзить небеса.
Code Geass: Lelouch of the Rebellion («Код Гиасс: Восставший Лелуш», 2006-2008)
Однако одним любованием гигантскими роботами в Японии не ограничиваются. Часто они служат лишь частью научно-фантастического сеттинга. Тогда на них обращают внимание лишь во время битв, да и то не всегда, уделяя остальное время политическим интригам, заговорам и предательствам целого ряда необычных персонажей и построения мира, в который с легкостью веришь. Code Geass: Lelouch of the Rebellion принадлежит как раз к такому роду, а заодно дарит нам одного из необычнейших главных героев индустрии.
Во вселенной аниме-сериала Священная Британская Империя — самое могущественное тоталитарное государство в мире, ведущее войну с Европейским Союзом. Япония захвачена Британией и переименована в Зону 11, коренных жителей выселили в гетто и лишили многих прав. Именно в ней и живет главный герой истории, обычный, казалось бы, учащийся Академии Эшфорд — парень по имени Лелуш Ламперуж. Однако на самом деле он сын Императора Британии, всей душей ненавидящий своего отца и его правление. Судьба сталкивает его с загадочной девушкой С. С., которая дарит ему особую силу «гиасс», позволяющую подчинять людей своей воле. Тогда Лелуш начинает «крестовый поход» с целью свергнуть британскую диктатуру. Ради он этого он взял псевдоним Зеро, чтобы скрыть свою личность и быть образом для миллионов, а не просто человеком.
Так начинается одно из самых насыщенных событиями и сюжетными перипетиями японское произведение. Студия Sunrise и конкретно режиссер Горо Танигути прекрасно понимали, что обычный школьник не может устроить революцию на пустом месте, пускай даже со столь впечатляющей способностью. Потому на протяжении двух сезонов мы наблюдаем, как обычный человек противостоит целому миру в очевидно неравной борьбе. От игр с солдатами Лелуш переходит к настоящим террористическим актам, собирает группу единомышленников (Орден Черных Рыцарей) и впоследствии начинает вершить настолько масштабные деяния, что они определяют судьбы целых государств и наций.
Просто так на пути парня не дается ничего, потому каждое достижение ему приходится буквально зубами вырывать из цепких лап судьбы. Лелуш может надеяться на гиасс, но он не выручает его так, как острый ум, адаптивность и находчивость. Главный герой даже признается, что получение сверхспособности лишь ускорило воплощение в жизнь его плана, который он вынашивал уже давно. Всегда интересно следить, как же Зеро выпутается из очередной передряги и какие тузы спрятал в рукаве на этот раз.
В полной мере это раскрывается в сражениях, которые почти всегда похожи на полноценные военные конфликты, а не локальные стычки. У каждой стороны по нескольку десятков, а то и сотен и даже тысяч бойцов, в ход идут всевозможные виды вооружения и техники. Мехи, которые во вселенной «Кода Гиасса» называются Найтмэр Фрэймами, занимают особое место. Дизайнеры постарались приблизить их к реальности, потому нам демонстрируют пускай «человекоподобную» и очень быструю, но все же военную технику со своими ограничениями и недостатками, а не глянцевую и мелькающую игрушку для техно-фетишистов. А гений Лелуша снова и снова находит ей необычные применения, пускает в ход смелые, почти суицидальные тактики, поражая противников находчивостью. Не важно, насколько большие пушки на поле боя, ведь в первую очередь перед нами разворачивается битва умов.
Не прекращается она и во время более мирных моментов, ведь на голову Зеро и его Рыцарей постоянно сваливаются все новые и новые проблемы. Зачастую решения лежат за границей норм морали, из-за чего образ Лелуша складывается максимально неоднозначный. Он руководствуется благими целями, но способен пожертвовать миллионами мирных жителей без особой выгода. Он лжет боевым товарищам, но беспокоится о школьных друзьях. Он ранит всех, кого любит и кем дорожит, в моменты отчаяния просит ближайшую подчиненную отдаться ему ради «утешения», он высокомерен и заносчив, скрывает слабость за пронзительными речами. Главный герой этого аниме заслуживает пристального рассмотрения, ведь аналогов ему нет, а однозначный вывод о его поступках сформировать так и не выходит.
Его харизма перебивает всех остальных персонажей, даром что они тоже первоклассные. Старый друг детства Лелуша, презирающий Зеро и воюющий против него, слепая сестра протагониста, ради которой он и хочет перестроить мир, «ведьма» С. С., которая смотрит на трагедии и революции так, будто это обычная шахматная партия, и многие другие западают в душу, а их сюжетные линии переплетаются настолько тесно, что разрешить их мирно не выйдет никак. Из-за этого создается впечатление, что мир Code Geass живет своей жизнью, его жители постоянно чем-то заняты и к чему-то стремятся. Это уровень One Piece, мир которого некоторые считают самым проработанным в истории, только авторы «Кода Гиасса» смогли сразу уместить его в формат анимации и полноценно раскрыть всего за два года, а не за почти тысячу глав.
Тем поразительней, что к концу истории аниме умудряется не забыть о своих достоинствах, а лишь приумножить их. Да, в «Коде Гиассе» если слабые моменты и целые эпизоды, а визуальная стилистика «людей-макаронин» может немного смутить, однако на фоне общих художественных заслуг мелкие недочеты совсем меркнут. Тут умещено так много всего — мехи, семейная драма, научная-фантастика, антиутопия, политический и психологический триллер, даже немного комедии, и это только навскидку — и все компоненты все равно умудряются отлично работать друг с другом, не вступая конфликты, а лишь помогая раскрывать историю.
После просмотра Code Geass: Lelouch of the Rebellion интриги «Игры престолов» или какого-нибудь «Карточного домика» кажутся натужными и слишком простыми. А ведь их, на секундочку, переплюнуло аниме про человекоподобных роботов, в котором регулярно сыплют фразами вроде:
«Я не хочу сражаться. Но когда сильный убивает слабого и остается безнаказанным… Это непростительно! Только те, кто готов быть убитым, могут убивать!»
История Лелуша — это почти шекспировский «Гамлет» на новый лад, настоящее высокое искусство, которое все еще не подошло к своей развязке, в феврале 2019-го нас ожидает фильм-эпилог. Потому у всех есть еще несколько месяцев, чтобы успеть приобщиться к живой классике, которая у нас на глазах успела изменить всю отрасль аниме.
Miss Kobayashiʼs Dragon Maid («Дракон-горничная Кобаяси-сан», 2017)
Если судить по вышеперечисленным примерам, то может показаться, что аниме состоит из одной «крови-пафоса-роботов-драмы-нагнетания» и щепотки музыки сверху. Но если открыть список релизов любого сезона, что там заметно, что юмористические, романтические и бытовые тайтлы преобладают над фикшеном. Только вот незадача — что с юмором, что с любовью, что с бытом людей создатели ударяются в такие крайности, что смотреть порой становится невозможно. Аниме с правильно выдержанным балансом этих составляющих встречается редко. Потому очень хорошо, что в 2017-м вышла аниме-адаптация манги «Дракон-горничная Кобаяси-сан».
Завязку следующая — однажды утром офисный клерк Кобаяси обнаруживает по дороге своего дома гигантского дракона. Не успев толком испугаться, героиня к своему удивлению видит, как мифическое создание превращается в девушку с хвостом. Последняя представляется Тору и говорит, что прошлой ночью Кобаяси спасала ей жизнь и предложила ей поселиться в своем доме, чтобы работать там горничной. Загвоздка в том, что предложение было сделано после огромного количества выпивки, потому девушка даже не может его вспомнить. Однако в итоге соглашается на странное соседство, так начинается новая совместная жизнь созданий из разных миров.
Фабула напоминает эдакую «историю о попаданце наоборот», когда в наш обычный мир приходит волшебное существо. Тору мало знает о том, как быть домохозяйкой, потому ее методы уборки, стирки и готовки достаточно экстравагантны. Например, она все время пытается накормить Кобаяси своим хвостом, одежду вылизывает языком. Однако привязанность к своей спасительнице и желание помочь заставляют дракона учиться и узнавать новое о странном для нее мире людей, потому с каждой серией она становится все более и более профессиональной горничной.
Сюжет не концентрируется лишь на столь странной парочке, со временем появляются и другие герои, так или иначе связанные с мифологией. Девочка-дракон Канна выглядит еще совсем юной и по-детски наивной, потому главная героиня отдает ее в начальные классы. Богиня Кетцалькоатль, которую из-за сложности имени называют просто Люко, спасла мальчика Сету от суккуба и теперь присматривает за ним, иногда забывая о своей излишней откровенности и эротичных нарядах. Мрачный Фафнир сначала презирает людей и считает их низшими созданиями, а в итоге становится отаку, ночами напролет играющим в MMO.
На странных перевоплощениях величественных созданий, который могут вполне успешно адаптироваться среди человечества, и строится основной юмор аниме. Который, стоит признать, сделан без почти без громких криков, переигрываний и натужно смеющихся актеров озвучки. Все панчлайны и визуальные гэги подаются ненавязчиво и виртуозно, от них искренне хочется смеяться или хотя бы улыбнуться.
Улыбка не сходит с лица на протяжении всего просмотра. И тут дело даже не в смешных ситуациях, а в постоянном ощущении какого-то житейского, семейного тепла, сродни тому, которое царит в доме, когда все старые друзья и родственники съезжаются на Новый год. Причем нам показывают трансформацию персонажей, которые преодолевают свои предубеждения ради других. Той же Кобаяси до встречи с Тору не нужно было ничего, кроме посиделок с пивом после работы, однако за время аниме она научилась переживать и сочувствовать, жертвовать своими амбициями и временем, даже с семьей помирилась, с которой не общалась уже давно.
Студия Kyoto Animation сумела всего в 13 сериях создать и отличную комедию положений, и сюжет о сосуществовании отличающихся во всем людей. В сценах с праздниками и обычными домашними посиделками можно найти себя во время определенного этапа жизни. После окончания последней серии хочется прямо как местные герои отбросить мрачные мысли с предубеждениями и написать старым знакомым, чтобы просто узнать, как у них дела. Это редкий для аниме случай, когда без гиперболизации всего и вся история все равно сумела добиться своих высот, потому и заслуживает ознакомления.
После нее проще относишься и к обожаемым в Японии девочкам-«вставь-сюда-имя-животного-или-предмета», и к сюжетам, действие которого может разворачиваться буквально в одной квартире, и к интересному подходу японских сценаристов к юмору. «Дракон-горничная Кобаяси-сан» — это максимально дружелюбная к новичкам точка вхождения сразу в несколько жанров, потому для начала знакомства с миром аниме подойдет на ура.
Boku no Hero Academia («Моя геройская академия», 2016-2018)
О до неприличия огромном количестве серий в некоторых аниме наслышаны даже те, кто с жанром совершенно не знаком. На «Наруто» выросло сразу несколько поколений, а некоторые люди успели полюбить и разлюбить восточную анимации, завести семью и детей, пока One Piece все еще не закончился. А ведь в сенэнах есть свои уникальные достоинства, которые, увы, не всегда просто различить за несколькими сотнями эпизодов. Потому новичкам лучше посмотреть нечто высококонцентрированное и неперегруженное филлерами. Например, «Мою геройскую академию»,
Автор оригинальной манги Кохэй Хирокоси и не скрывает, что очень много почерпнул из «Наруто» Масаси Кисимото. Об этом он заявил после выхода ее заключительной главы. Также мангака упоминал всем известные One Piece и Akira, а также менее распространенные вещи — Tekkonkinkreet (про двух сирот с улицы, которые пытаются захватить власть в городе) и Boys on the Run (про торговца, который становится боксером, чтобы завоевать сердце девушки).
С другой стороны, большое влияние на автора оказали классические западные комиксы, в особенности от издательства Marvel. В одном интервью он признавался, что иногда при создании глав даже использует комиксы для создания визуальных отсылок или поиска вдохновения. Это, кстати, заметно в некоторых моментах, которые переиначивают культовые развороты, к примеру, историй о Человеке-пауке.
Сюжет разворачивается вокруг старшеклассника Идзуку Мидории. Во вселенной аниме у 80% населения есть хоть какая-нибудь суперспособность, которая называется «причуда» или «квирк». Увы, Мидория родился совершенно обычным человеком, но это не помешало ему с детства грезить о судьбе героя. На это его вдохновил самый сильный герой в мире — Всемогущий, спасающий мир с улыбкой на лице. Однажды судьба сталкивает парня со своим кумиром, когда в огромной толпе людей только Идзуку решился помочь ребенку. Всемогущий замечает его и решает сделать своим преемником, наделив его своим уникальным квирком Один За Всех, который заключается в накоплении силы и передаче способностей новому владельцу. Таким образом Мидория получает шанс поступить в Академию U.A., в которой обучают будущих героев.
Студия Bones ответственно подошла к своей работе, потому «Моя геройская академия» отличается высоким качеством анимации и подробной прорисовкой. Если сравнивать с тем же One Piece, некоторые серии которого состоят буквально из пары-тройки простых сцен, то разница очевидна и приятно радует. Тебе не приходится идти на сделки с совестью во время просмотра, проматывать неинтересные моменты или даже пропускать целые сюжетные арки. В истории Идзуку Мидории ровно столько всего, чтобы интерес не терялся на протяжении всех трех сезонов, а желание ждать четвертый никуда не исчезло.
Стандартная формула «тренировок-битв» в аниме играет новыми красками. Она не кажется надоевшим штампом, ведь именно обучению будущих супергероев и посвящена местная история. Все ошибки, поражения и победы персонажей обусловлены лишь их умением обращаться со своим квирком, которое они выработали на уроках или самостоятельных тренировках. Потому шутка об «очередном аниме про школьников» перестает быть смешной, ведь юный возраст героев — это не фан-сервис или потакание народным мнениям, а важный сюжетный инструмент.
Отсюда вытекает, что все аналоги «пляжных эпизодов», школьных фестивалей, соревнований между классами и прочие эпизоды, которые в иных многосерийных аниме должны лишь растягивать время до важных моментов, радовать подростков и экономить бюджет, играют свою роль в истории. «Моя геройская академия» показывает взросление со всех возможных сторон. Зрителей ожидают конфликты между старыми друзьями, первые неловкие чувства, претендующие на влюбленность, постоянный дух соперничества и огромное количества глупого, но приятного веселья.
Так как у нас тут все-таки сенэн, то главная роль в постановке отводится битвам. И они превосходны. Удалось обойтись без бесконечных полетов на мутном фоне, невнятных ударов и долгих выкриков названий способностей. С главным героем вообще все интересно, ведь использование квирка фактически разрывает его на части: тело Мидории не готово к столь огромной силе, полученной лишь недавно. Таким образом решили еще одно аниме-клише — постоянные «почти провалы» и последующие превозмогания главного героя, когда он неожиданно находит в себе силы победить. У Идзуку такого нет, ведь чем дольше затянется битва, тем выше вероятность, что он умрет от ран, нанесенных своей же силой. Тогда в ход идут умные тактики и попытки перехитрить соперника, отчего в конфронтациях побеждает более умный, а не более могущественный.
«Моя геройская академия» также затрагивает тему семейных отношений, которые порой оказываются напряженнее любых стычек со злодеями. Ученики Академии U.A. часто зависимы от своих родственников, которые возлагают на них слишком большие надежды или чересчур беспокоятся. Не забывает аниме и про второстепенных персонажей, которые не исчезают после своей сюжетной арки, ведь их истории продолжают развиваться на фоне остальных событий. В Boku no Hero Academia ничего не бывает просто так, у каждого поступка и даже фразы есть свои далеко идущие последствия. Сразу видно, что автор сюжета не пишет наобум — у него есть четкое представления о построении повествования.
После этого аниме вам будет проще смотреть на постоянно мельтешащий в аниме экшен-сцены, да и многие штампы покажутся привычнее. На сегодня Boku no Hero Academia удерживает титул лучшего сенэна, жанра, чье величие закончилось к концу «нулевых» годов. И сейчас отличный момент, чтобы приобщиться к, возможно, последнему великому произведению, строящемуся на концепции постоянных битв.
No Game No Life («Без игры жизни нет», 2014)
Продолжаем наше путешествие по «страстям» создателей аниме. Так повелось, что любят они очень мудреные игры с запутанными правилами. Сложился даже поджанр, в котором главный герой должен постоянно играть в игры (реальные или выдуманные). Многие серьезные аниме используют эту концепцию при сражениях, потому не удивляйтесь обилию турниров на любой вкус в восточной анимации. Также почетом пользуются истории о «попаданцах» в другой мир, зачастую граничащие с этти, то есть легкой (иногда — не очень) эротикой. Все вышеперечисленные пункты вобрало в себя аниме No Game No Life.
Главные герои — 18-летний Сора и 11-летняя Сиро, затворники, днями напролет играющие во всевозможные игры. Они заработали себе статус непобедимых, их отличительная особенность — сплошные пробелы в никах, что выглядит как «『 』». Однажды они побеждают в шахматах самого бога игр Тэта, который приглашает их в свой мир — Дисборд. В нем все вопросы решаются при помощи игр, насилие запрещено Десятью Правилами. Люди в Дисборде называются «иманити» и занимают последнее из 16 рас место. Однако Сора и Сиро твердо намерены это исправить.
Так начинаются их приключения, полные всевозможных игр. За 12 серий аниме нам успеют показать, как территориальные и расовые конфликты можно решать при помощи шахмат, видеоигр, реверси, подброса монетки и даже сиритори (японский аналог игры в слова, когда следующее слово должно начинаться с того же слога, что и предыдущее). Так как набить лицо противнику в случае поражения невозможно, то в ход идут высокие ставки, читерство, особенности каждой расы и, конечно же, невообразимые по своей сложности тактики, призванные перехитрить соперника. Каждый ход, будь то даже движение шахматной фигурой, подан с эпатажем и максимальной драматизацией происходящего, потому обычные игры превращаются в нечто сродни судьбоносным дуэлям.
А когда главные герои не выигрывают, они ведут себя как типичные хикикомори — говорят и делают абсолютную чушь. Однако их обаяние все равно привлекает людей и представителей других рас к ним, а Сора и Сиро не забывают над ними поглумиться. Это создает очень много абсурдных и забавных ситуаций, дополняющих всеобщий эмоциональный подъем. Серьезные моменты в равной степени разбавлены комедией, а яркие и контрастные цвета лишь подчеркивают «игровые» настроение.
Если захотеть, можно усмотреть в No Game No Life и оду пацифизму, и идеи о том, что во всех людях есть своим достоинства, так что не стоит судить «книгу по обложке», и прочее-прочее-прочее. Однако тут у нас случай, когда лучше не множить сущности, а просто насладиться аниме, которое смотрится на одном дыхании, поудивляться находчивости главных героев, улыбнуться с шуток или, например, подметить полуголых героинь в бане.
Кстати, это же аниме познакомит вас с горечью от отсутствия второго сезона (но вы можете немного усмирить боль, посмотрев полнометражку No Game, No Life Zero). Как показывает опыт, «Без игры жизни нет» спокойно смотрят и одобряют даже те, кто на дух не переносит аниме, а значит, у авторов из Madhouse получилось смешать все ключевые составляющие в правильных пропорциях.
Higurashi no Naku Koro ni («Когда плачут цикады», 2006-2009)
А напоследок мы посоветуем аниме, которое подойдет далеко не всем, но если вы его полюбите, то окончательно и бесповоротно. Оно медленное и запутанное по структуре сюжета, с временами карикатурным рисунком и худшими проявлениями японского юмора. Но не ведитесь на милых девочек с картинки выше, ведь «Когда плачут цикады» — одно из самых сложных, мрачных и трагичных аниме.
Сюжет разворачивается в небольшой деревушке Хинамидзава, в которой существует традиция проведения праздника Ватанагаси. Последние 4 года во время фестиваля обязательно умирает один человек, а кто-то другой пропадает без вести. В деревню из города приезжает парень Кэйити Маэбара, который сближается с участницами школьного игрового клуба — Рэной, Мион, Сатоко и Рикой. Вместе они постоянно веселятся и проводят беззаботные дни, которые скоро закончатся. Ведь близится очередной Ватанагаси.
Будьте готовы, что радужный тон аниме очень быстро закончится, уступив место кровожадности. Причем пугают тут даже не банальной расчлененкой, а более неприятными методами причинения боли. Например, острой иглой внутри рисового шарика или выдиранием ногтей. Иронично, что взрослых в аниме убивает более приземленными способами, а вот дети страдают в полной мере.
Причем как раз по вине старших, ведь деревня Хинамидзава хранит очень много грязных тайн, вскрывающих все людские пороки. Авторы успевают пройтись как по масштабным злодеяниям (правительственные заговоры, секретные эксперименты и прочее), так и по более приземленным, но не менее ужасным поступкам (убийство супруга ради его денег, эксплуатация детского труда). В итоге оказывается, что никто не без греха в этой безумной истории.
А когда на сцену выходит мистический элемент, сюжет и вовсе выходит на кардинально новый уровень, который какому-нибудь Нолану и не снился. Сюжетные линии расслаиваются, история прыгает назад во времени и подается от лица разных героев (пускай может показать, что мы их давно знаем). Пазл сходится воедино лишь под конец, причем предугадать настоящего злодея достаточно тяжело.
Персонажи тоже регулярно умудряются удивлять, превращаясь из лучших существ в мире в инфернальные порождения безумного создания, которые знают тысячу и один способ твоего умерщвления. Поначалу подобные метаморфозы исключительно пугают, но чем больше узнаешь о прошлом героев и обстоятельствах, с которыми они вынуждены мириться, тем сильнее проникаешься к ним сочувствием и начинаешь осознавать, что они лишь заложники своего положения. Даже финальный момент антагониста получился очень трогательным, а его мотивация вызывает искреннюю грусть и убежденность в несправедливости мира.
«Когда плачут цикады» постоянно играет с чувствами и ожиданиями, разрушая то, в чем был стопроцентно уверен, и подтверждая самые фантастические домыслы. Это один из лучших детективов, который использует жестокость не как центральный элемент, а лишь для контекста человеческой испорченности. А еще это, пожалуй, самая достойная и почти дословная адаптация визуальной новеллы в анимационный формат. Так что просмотр может аниме может не только открыть дорогу к японским хоррорам, триллерам и гуро, но и познакомить с новым видом интерактивных развлечений.
Взято: Тут
0